Como parte de las actividades de la primera fase del programa público de Nunca fuimos contemporáneos, que inició en septiembre de 2017 con una serie de charlas de artistas nacionales, así como colectivos y agentes locales, el pasado jueves 1 de febrero tuvimos de visita a tres artistas internacionales que participarán dentro de los proyectos museológicos durante este año en Zacatecas.
Ricardo Alcaide, Felipe Mujica y Nicolás Robbio, artistas invitados de la XIII Bienal FEMSA estuvieron en El Santero para compartir un poco de su trabajo y experiencia con artistas y el público de la ciudad.
Estos artistas han sido invitados a Nunca fuimos contemporáneos para realizar obras ex profeso en la ciudad como parte del programa de colaboraciones museológicas e intervenciones en el espacio público.
El proyecto moderno y la arquitectura vernácula en las metrópolis latinoamericanas
Ricardo Alcaide (Caracas, Venezuela, 1967) es un artista visual venezolano que vive en Brasil. Ha expuesto recientemente en Von Bartha, Basel (2017); Johannes Vogt Gallery, Nueva York; Josee Bienvenu Gallery, Nueva York; SITU project, Galeria Leme, São Paulo (2016) SIM Galeria, Curitiba; SPACE, Sayago & Pardon Collection, California; Arroniz Arte Contemporáneo, Ciudad de México; Baró Galeria, São Paulo; Sicardi Gallery, Houston; Christinger De Mayo Gallery, Zúrich (2015); Alejandra Von Hartz Gallery, Miami; Athr Gallery, Jeddah, Arabia Saudita y Galería Agustina Ferreyra, San Juan, Puerto Rico (2014). Su obra forma parte de las colecciones del Museu de Arte do Rio, Río de Janeiro; Sayago & Pardon, Los Ángeles; Museo de Arte Contemporáneo de Lima; Zabludowicz Collection, Londres; Pinacoteca do Estado de São Paulo y Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. En su trabajo, articula lo poético y lo político mediante yuxtaposiciones de imágenes y objetos que cuestionan cómo es que la gente enfrenta la exclusión social y económica en distintos entornos. Se ha interesado en la deuda poco reconocida del movimiento moderno latinoamericano con la arquitectura vernácula. En este sentido, una parte de su obra se ha enfocado a explorar las formas de interrupción pictórica y simbólica de entornos arquitectónicos mediante objetos que los intervienen facilitando refugios temporales para indigentes, como es el caso del proyecto que realizó para SITU project en São Paulo (2016).
La obra de Alcaide dialoga reiteradamente con espacios icónicos del modernismo latinoamericano y con los cánones del movimiento moderno mediante la irrupción, la intervención temporal y la relectura desde los espacios y condiciones de la precariedad de las metrópolis. Los objetos de Alcaide fungen como fragmentos de la memoria presente de un proyecto fragmentado —el modernismo— desde la experiencia cotidiana.
SITU project invitó al artista Ricardo Alcaide a reflexionar acerca del contexto urbano como matriz psicosocial. Alcaide propuso un gran volumen geométrico construido con madera de cimbra que ocupa gran parte del patio de la galería y se presenta ante el transeúnte como una rampa de color negro que se alza seis metros y prácticamente bloquea los dos accesos al espacio. El volumen propuesto por Alcaide subvierte el funcionamiento planificado del edificio mediante la creación de una condición espacial que evoca tanto a la arquitectura moderna como a la autoconstrucción de las metrópolis latinoamericanas.
Una evocación de los ideales de democratización del arte
El artista visual Felipe Mujica (Santiago de Chile, 1974) estudió la licenciatura en Arte en la Universidad Católica de Chile. Junto con Diego Fernández y José Luis Villablanca fundó la Galería Chilena GALCHI en 1997, espacio de carácter itinerante con el que colaboró hasta 2005. Su trabajo se ha expuesto de forma individual en espacios como Museo Experimental El Eco, Ciudad de Mexico (2014); The Shop – Vitamin Creative Space, Pekín (2009); Message Salon, Zúrich (2008) y el Centro Cultural Matucana 100, Santiago de Chile (2004). Su trabajo está influenciado por la abstracción geométrica y la referencialidad histórica del modernismo y los movimientos artísticos, sociales y políticos internacionales de las décadas de 1960 y 1970. Trabaja en soportes diversos que incluyen instalación, dibujo, esculturas plegables y grabado.
Para Mujica, los códigos visuales vinculados a la abstracción geométrica, que utiliza como dispositivos económicos de producción visual, condensan al mismo tiempo conglomerados de referencias históricas y herramientas creativas. Como parte de su obra, ha producido instalaciones con paneles de tela que funcionan como dibujos que ocupan y organizan el espacio conformando muros suaves temporales que conducen al público y la forma en que circula en el espacio al mismo tiempo que reconfiguran la percepción que se tiene de este y de los otros objetos que alberga; así, las instalaciones devienen objetos funcionales y de contemplación. En ese sentido, los paneles de tela de Mujica establecen un vínculo histórico directo con los preceptos de la apuesta del constructivismo soviético o la Bauhaus, donde la integración del arte a la vida mediante su funcionalización evoca los ideales de democratización del objeto artístico del movimiento moderno, con los cuales Mujica dialoga mediante su restablecimiento temporal.
Otra de sus rutas de trabajo, que busca indagar en el estatus social y simbólico contenido en las características formales de los objetos, está basada en el dibujo y la producción gráfica mediante la apropiación. Mujica recupera material gráfico de distintas fuentes que datan del periodo de auge del modernismo del siglo XX (de finales de la década de 1950 a mediados de la década de 1970) y lo reorganiza. La materia prima de esta operación suelen ser carteles políticos latinoamericanos, diseño gráfico japonés o imaginario psicodélico proveniente de portadas de libros y otras fuentes cuyo punto de anclaje es el imaginario gráfico de la época. Estas indagaciones formales fungen como una contraparte histórica y contextual del trabajo inspirado en la abstracción geométrica basada en instalaciones textiles.
Otro de los enfoques dentro de su trabajo es la construcción de esculturas efímeras creadas sólo para ser fotografiadas. Estos objetos temporales funcionan como registros de acciones escultóricas cuya frágil condición apela a criticar la historia del modernismo en Latinoamérica y la endeble estructura de sus ideales. Estas acciones escultóricas son una vía para la colaboración, ya que en muchas ocasiones no son llevadas a cabo por Mujica, sino que son comisionadas a curadores, personal de museos u otros artistas con quienes comparte la autoría de estas piezas efímeras. Este procedimiento le ha permitido desarrollar estrategias pedagógicas para talleres infantiles de artes visuales.
Un lápiz es una herramienta de resistencia
El artista visual Nicolás Robbio (Mar del Plata, Argentina, 1975) vive actualmente en São Paulo, Brasil. Recientemente ha expuesto de forma individual los proyectos Ejercicios de resistencia, La Casa Encendida, Madrid (2017); Plano expandido: Questões ao traçar uma linha, SESC Pompéia, São Paulo; Projeto Parede: Ciclos, Museu de Arte Moderna, São Paulo (2016); Observações de uma realidade sincopada, Museu da Cidade, Lisboa (2015); Medos Modernos, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2014); Every Body Knows, Galerie Invaliden1, Berlín (2013); Emissores Reunidos [Episódio 1]: O amanhã de ontem não é hoje, Fundação Serralves, Porto (2009) e Indirections, Pharos Centre for Contemporary Art, Nicosia, Chipre (2008). Además ha expuesto colectivamente en Buenos Aires, São Paulo, Santiago de Chile, Montreal, Toronto, Ribeira Grande (Islas Azores), San Juan (Puerto Rico), Miami, San Francisco, Monterrey, Tenerife, León (España) y Ciudad de México. Su obra forma parte de colecciones privadas abiertas al público como Deutsche Bank, Nueva York; SPACE Collection, Los Ángeles; Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami; Colección Konex, Buenos Aires; Direção Regional da Cultura, Angra do Heroísmo (Islas Azores); Arquipélago, Centro De Artes Contemporânea Dos Açores, (Islas Azores) y Fundación Artes Visuales Asociados, Santiago de Chile.
La obra de Robbio está basada en dos conceptos fundamentales: la gravedad y el dibujo como un acto de resistencia. En su obra utiliza materiales sencillos como monedas, huesos de pollo, cordel, arena o lápices. Durante 2017 presentó en la Casa Encendida de Madrid la exposición Ejercicios de resistencia, en donde las piezas se conciben como un ejercicio de memoria colectiva que cruza el pensamiento utópico de la lógica racional y la geometría presentes en la naturaleza. En la obra de Robbio, la suma de elementos es una constante, ya sea a través del uso de papel y lápiz o mediante el collage y la construcción formal. Este proceso aditivo, y hasta cierto punto subjetivo, hace tangibles las operaciones que enlazan la memoria psicomotriz con la acción física en el mismo sentido en que funciona el dibujo como principio teórico: una sucesión de puntos que en el espacio se transforman en líneas, planos y volúmenes mediante el uso de recursos tan simples como un lápiz.
Su obra está dotada de un carácter físico persistente en donde, aunado a los procesos aditivos –moleculares– existe un marcado carácter constructivo, casi arquitectónico, en donde el equilibrio de fuerzas no sólo está sugerido sino que conforma estructuralmente las piezas, como en la serie Estudios de tensión (2017). Según el artista, estas tensiones de fuerza no sólo actúan físicamente en nuestro cuerpo, sino también en nuestra memoria, de forma que “no hay forma de separar lo concreto de lo abstracto, lo objetivo de lo subjetivo”, que se encuentran irremediablemente conectados. En Estudios de tensión, una moneda, un lápiz o un hueso de pollo fungen como soportes que separan los cordeles del sistema de plomos del muro que a la vez los sostienen y que contienen información, memoria e historia y conforman así una arquitectura física, objetiva y concreta al mismo tiempo que totalmente subjetiva y simbólica. La obra de Robbio suma memoria y materia, abstracción y geometría en un trabajo frágil como el dibujo mismo.
