La Gualdra 670 / Festival de Cannes 2025

[Premio del Jurado en Cannes 2025]

En 2017, el director franco-gallego Oliver Laxe rodó Mimosas en el atlas marroquí. El desértico paisaje montañoso servía de localización a una travesía mística, inspirada por las narraciones orientales, que era también una búsqueda de espiritualidad. La película retomaba de cierto modo el interés antropológico de Pier Paolo Pasolini por lo sagrado, que había reubicado los mitos griegos en esos mismos paisajes del mediterráneo, como en Edipo Rey o Medea.

Ritmo y energía
Sirāt, la película que Laxe presentó en la competencia oficial, vuelve a esa idea de viaje espiritual, pero desnudándolo de cualquier veleidad de orientalismo, como en Mimosas, y situándolo a mil leguas del minimalismo narrativo y formal de O que arde, su anterior película.

Sirāt vendría a ser una versión punk, o más precisamente rave, de la travesía del desierto. Luis, con su hijo Esteban, busca a su hija Mar, huida de casa unos meses antes. Creen que ella ha viajado hasta Marruecos para participar en una rave en el desierto. En una de ellas, mientras distribuyen fotografías de Mar entre los participantes, se encuentran con un grupo de cinco ravers, que le indican la posibilidad de que haya podido ir a otra fiesta en Mauritania, hacia la que se dirigen. Los dos grupos acabarán recorriendo juntos un trayecto repleto de obstáculos.

El filme se abre con primeros planos de la instalación de una pared de altavoces en las montañas del desierto, un muro de sonido que no tardará en dejar estallar una tormenta de beats que se convertirán en el latido de la película, mientras la cámara de Laxe circula entre los danzantes. Esta apuesta por una forma de energía que une la música y los cuerpos invade todo el metraje y se convierte en su columna vertebral. 

Una energía que mueve también a los travellers y sus camiones, que circulan a toda velocidad entre el polvo del desierto. Un imaginario que remite al frenesí de Mad Max y su ritmo hiperacelerado, con sus camiones tuneados conducidos por unos ravers de cuerpos mutilados. 

No importa el destino, importa el camino
El movimiento constituye el núcleo de la película, las peripecias son sólo pequeñas etapas, desconectadas entre sí, obstáculos que acabarán uniendo a los protagonistas, por distintos que sean. Bajo el signo de la pérdida, el viaje ofrece la oportunidad de superarla, por el paroxismo, pero también por la recreación de una comunidad.

Cuando en el trayecto surgen los obstáculos, es posible imaginar reminiscencias del Salario del miedo, de Henri-Georges Clouzot; o de Sorcerer, el remake de William Friedkin. Éstos toman cada vez un giro más trágico, encadenándose hasta llegar a un clímax que rompe deliberadamente con cualquier verosimilitud, llevando al límite la idea de hacer estallar unos cuerpos atravesados por energía.

Algunas pinceladas políticas, como los camiones militares que surcan el desierto, insinúan que Sirāt podría ser un manifiesto del frenesí en una época siniestra, una versión desencantada y anfetamínica del Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni, con el techno de Kangding Ray sustituyendo al rock lisérgico de los Pink Floyd. Una carrera bajo ayahuasca hacia el fin del mundo.

Este 2025, Sirāt, de Oliver Laxe; y Sound of falling, de Mascha Schilinski, ganaron el Premio del Jurado en el Festival de Cannes.

La Gualdra 670 / Festival de Cannes 2025

[Premio del Jurado en Una Cierta Mirada]

Simón Mesa Soto, colombiano, ganó la Palma de Oro en la Competencia de Cortometrajes en el 2014 con Leidi. Dos años más tarde regresó a la misma competencia con Amparo. Este año regresó a Cannes, en la Selección Oficial, con un largometraje presentado en la sección Una Cierta Mirada, Un poeta, que resultó la película ganadora del Premio del Jurado en esa sección.

Mesa Soto en su síntesis explicó el proyecto como una historia cómica, en torno a las aventuras de un poeta bohemio de la ciudad de Medellín. Una comedia que, por cierto, le da frescura a un festival con temas por demás dramáticos.

Pero su comedia va más allá de la broma simplona. Un poeta está más bien narrado, desde el dispositivo aristotélico, cargado de ironía llegando a la farsa y lo grotesco (en el sentido positivo del término).

El poeta es un romántico que quiere vivir de su poesía sin ensuciarse del mundo mundano, tratando de mantener una buena relación con su hija, su madre (vive en casa de ella), hermanos y colegas poetas. 

Pero Mesa Soto no se queda en la simple comedia del gag inesperado, sino que se burla de lo políticamente correcto y brinca la censura feminista de la relación profesor-alumna. No justifica relaciones amorosas o sexuales desiguales, tan solo evidencia que no siempre éstas tienen un sentido perverso ni machista. 

Mesa Soto tardó dos meses en seleccionar a sus actores, primero casteando a profesionales y por fin, se quedó con no profesionales. Ubeimar Ríos es un profesor y poeta de Medellín que quizás nunca pensó que sería actor por algunos días. 

La elección le dio al director la naturalidad de un tono bufón. Recordar que el género cómico es de los más corpóreos. Así, la cámara se centra en el rostro y sus detalles, en el caminar de Ríos, y ya por sí sola -la imagen- marca el tono de la comedia.

Siempre que se usan actores no profesionales surge la pregunta ética, ¿qué sigue luego para esas personas? Mesa Soto es lúcido en la situación, porque sabe que al usarlos y traerlos a un lugar como Cannes es sacarlos de su vida y luego regresarlos. El artista, luego, no tiene que ser responsable de todas las vidas.

Un poeta fue un proyecto que costó unos 700 mil euros en coproducción alemana y sueca, que se filmó durante los meses de enero y febrero, y terminó de montar hace apenas unos días. El resultado ha sido de lo más positivo, tanto que ya tiene compradores para distribución en América Latina y varios países europeos. Quizás, el mundo ya está cansado de los mismos estereotipos de la porno-miseria latinoamericana.

​​

La Gualdra 670 / Festival de Cannes 2025

[Premio Especial del Jurado en Cannes 2025]

La esperada última película del virtuosista Bi Gan ha resultado ser, ante todo, un canto de amor al cine. En sólo dos largometrajes, el director chino ha logrado crear una enorme expectativa entre el público más cinéfilo. 

Su innegable pericia tiene como principal herramienta el uso de interminables planos secuencia, haciendo de la puesta en escena un arte coreográfico. El realismo bruto de su primer trabajo, Kaili blues, derivó luego hacia un homenaje a la atmósfera del cine negro más venenoso en El largo viaje hacia la noche, quizá la experiencia cinematográfica más fascinante a la que un servidor haya asistido en Cannes. 

El gran sueño
Resurrection agudiza el formalismo de El largo viaje hacia la noche concibiendo un objeto que tiene en su corazón la celebración de la experiencia cinematográfica. Los carteles que abren la película, a la manera del cine mudo, anuncian una historia de ciencia ficción. En una época futura, los “ladrones de sueño” han adquirido una semi inmortalidad, abandonando la realidad para vivir en un mundo de sueños, mientras unos cazadores intentan capturarlos. Este mundo de ilusiones está relacionado explícitamente con el cine, e incluso con el cinematógrafo, el dispositivo de rodaje y proyección originario de los hermanos Lumière. 

Se insiste varias veces en la película sobre la distinta percepción del tiempo. Lo que supone unos pocos minutos para la cazadora, se convierte en varias décadas para los soñadores. Bi Gan celebra el cine como dispositivo para contar historias y, literalmente, evadirse de la realidad. Y también su capacidad para proyectarse en cualquier época y cristalizar el tiempo. La película empieza con la captura de uno de los soñadores. La cazadora le concede una última dosis de ilusión insertando unos rollos de celuloide en su cuerpo, dando pie a cuatro historias.

El regador regado
En su homenaje, Resurrection empieza pasticheando los orígenes del cine: la linterna mágica, los seriales del mudo y el expresionismo alemán, para representar la caza del ladrón de sueños. Después, las cuatro historias están filmadas en estilos distintos, que combinan el homenaje a los géneros cinematográficos con relatos inspirados por leyendas sobrenaturales. En ellos se pone a prueba la orfebrería visual del director chino, incluyendo otro virtuoso plano secuencia en el último relato.

Sin embargo, esta vez la magia no opera completamente, porque el virtuosismo formal fagocita la tenue narración. En el último relato, la fotografía está intensamente marcada por un filtro rojo. Al protagonista se le escapa un disparo, que hace estallar el imaginario foco encarnado, restableciendo una luz natural. Un guiño que demuestra quizá la propia conciencia de la artificialidad de su puesta en escena. Más que a las películas de los Lumière, caracterizadas por su transparencia y apego a lo real, el cine de Bi Gan se aproxima más que nunca al de Méliès, con el riesgo que el conjunto se quede en un espectacular trucaje.

Resurrection, de Bi Gan, fue ganadora del Premio Especial del Jurado este 2025.

La Gualdra 670 / Festival de Cannes 2025

[Dos premios en la Competencia Oficial del Festival de Cannes]

Del agente secreto que da título a la última película del brasileño Kleber Mendonça Filho, sólo tendremos noticias durante la proyección del tráiler de Le magnifique con Jean-Paul Belmondo, en el cine São Luiz de Recife. 

Pistas falsas
Durante muchos minutos, el título nos habrá encaminado hacia una pista falsa, como la primera secuencia del filme. Marcelo, profesor universitario magníficamente interpretado por Wagner Moura, se encuentra con un cadáver que lleva algunos días esperando que la policía venga a echar un vistazo, al llegar a una gasolinera. Llega entonces la patrulla, que no hace ni caso del cadáver y empieza el registro de su Volkswagen bochito amarillo. Después de unos minutos, se desinfla la tensión. Probablemente los policías no sospechaban de él, y sólo querían morder o probar el coche. Estamos en Brasil, en 1977, bajo la dictadura militar.

Fuera de campo
Durante la primera mitad de la película, de Marcelo sólo sabremos que su esposa fue asesinada, que es perseguido por dos sicarios que intentan matarlo, que para salvar su vida tiene que huir del país y que una misteriosa red intenta salvarlo junto a otros “refugiados”, sin que se revelen las causas.

En el Brasil de O agente secreto, la dictadura queda fuera de campo. El realizador no sólo evita el recurso al imaginario militar convencional, sino que incluso acaba desactivando cualquier tensión que hubiera podido sugerir sin mostrarlo. Al comisario “doctor” Euclides, y a sus hijos esbirros, los personajes que deberían darle cuerpo, los representa como unos corruptos patanes de medio pelo.

En el otro bando, frente a esta dictadura intangible, O agente secreto magnifica una resistencia liderada por una encantadora anciana, que tiene en la compasión y el cariño sus principales y únicas armas. Y que deja en segundo plano cualquier militantismo político.

Dictadura fantasma
Curiosamente, O agente secreto entronca con el último documental del director brasileño, Retratos fantasmas. En una parte de ese documental, explicaba cómo la zona de cines que había conocido cuando era niño había desaparecido. Las antiguas salas estaban cerradas y se habían reconvertido, salvo algunas pocas que seguían funcionando. Una buena parte de O agente secreto está ubicada en el São Luiz, uno de estos cines supervivientes, e incluso uno de los antiguos proyeccionistas, visto en el documental, interpreta aquí un importante papel como el suegro de Marcelo.

De vez en cuando, el filme salta hasta nuestro presente, en el que una muchacha, encargada de digitalizar unos cassettes de audio en los que se grabaron las conversaciones de los refugiados, se apasiona por la historia de Marcelo. Este proyecto se suspende al descubrir que contenía “material sensible”, indicando que la invisibilización de la dictadura no sólo afecta a lo que ocurre en la ficción, sino que hoy en día se ha convertido en un fantasma, un episodio histórico relegado a un fuera de campo de la memoria colectiva de los brasileños.

Premios en Cannes 2025:
Premio a la mejor dirección: Kleber Mendonça Filho; y Premio a la interpretación masculina para Wagner Moura.

La Gualdra 670 / Festival de Cannes 2025

La 78 edición del Festival de Cannes cumplió sus promesas, y el paso abierto a unas generaciones más jóvenes de lo que venía siendo habitual dio sus frutos con unas cuantas propuestas realmente innovadoras. Es decir, lo que se espera de Cannes, unos gestos cinematográficos inéditos llevados por unos cineastas, que, a pesar de tener unos cuantos largos en su haber, no dudaron en dar un paso hacia delante para renovar su visión del cine. 

Obviamente, no toda la selección respondió a estos exigentes criterios, y una buena parte, en particular el cine francés, se quedó en una cómoda zona tibia. El cine estadounidense confirmó, por otro lado, que las propuestas para desmarcarse del mainstream de las plataformas pasan ahora mismo por un cierto histrionismo formal que por lo general acabó agotando al público festivalero.

Los premios fueron concedidos por un jurado autoral presidido por Juliette Binoche, que contaba también con Carlos Reygadas, Hong Sang-soo o Payal Kapadia, entre otros. Cumplió las expectativas premiando a las apuestas más arriesgadas, aunque fuera multiplicando los trofeos. El agente secreto, Sirāt, Sound of falling y Resurrection fueron justamente recompensados. El único mal sabor de boca nos lo dejó la Palma de Oro para Un simple accidente de Jafar Panahi, otorgado a nuestro gusto más por razones políticas que cinematográficas. En cualquier caso, nunca antes estuvimos tan cerca de atinarle a la quiniela.

La ceremonia
El francés Claude Lelouch fue el encargado de dar el premio al mejor realizador, afirmando que en el cine se trataba más de poner en vida que de poner en escena. Coralie Fargeat, directora de La substancia, al entregar el premio a la mejor película, recordó que la primera película que vio en Cannes fue Mulholland drive de David Lynch, que cambió su vida.

El ganador de la Palma, Jafar Panahi, que pasó años detenido y que hoy en día está exiliado fuera de Irán, recogió el premio muy emocionado. Tras dar las gracias a todos los que permitieron realización, tuvo unas palabras para la situación política de su país. “Es el momento de pedir a todos los iraníes del mundo entero. Pongamos todas las diferencias de lado, lo más importante es nuestro país y la libertad de nuestro país. Que nadie nos diga lo que podemos decir o hacer. Y el cine es una sociedad, nadie nos puede decir lo que puedes hacer o no. Esperemos que llegue este día”.

En la conferencia de prensa, Juliette Binoche explicó que habían querido un Premio especial del jurado para premiar a Resurrection, del que dijo que fue un ovni, con imágenes de ensueño y misteriosas que la acompañaron mucho después del visionado. Hablando de la Palma, la presidenta del jurado consideró que la película de Panahi era un gesto político, que emergía desde un lugar de resistencia y de supervivencia, y que el cine podía hablar en lugar de gente que no podía.

Aquí el Palmarés completo:

Competencia Oficial
Palma de Oro: Un simple accidente de Jafar Panahi.

Gran Premio: Sentimental value, de Joachim Trier.

Premio a la interpretación femenina: Nadia Melliti en La hija pequeña, de Hafsia Herzi.

Premio a la mejor dirección: Kleber Mendonça Filho, por El agente secreto.

Premio del jurado (doble): Sirāt, de Oliver Laxe; y Sound of falling, de Mascha Schilinski.

Premio al mejor guion: Jean-Pierre y Luc Dardenne, por Jóvenes madres.

Premio a la interpretación masculina: Wagner Moura por su papel en El agente secreto de Kleber Mendonça Filho.

Premio especial del jurado: Resurrection, de Bi Gan.

Cámara de Oro a la mejor primera película: The president’s cake, de Hasan Hadi. My father’s shadow, de Akinola Davies Jr, se llevó una mención especial.

Mejor corto: I’m glad you’re dead now, de Tawfeek Barhom; con mención especial para Ali, de Adnan Al Rajeev.

Otras secciones
Una cierta mirada 

Gran premio: La misteriosa mirada del flamenco, de Diego Céspedes.

Premio del jurado: Un poeta, de Simón Mesa Soto. 

Quincena de los cineastas
Premio del público: The president’s cake, de Hasan Hadi.

Queer Palm
La hija pequeña, de Hefsia Herzi.

Competencia inmersiva
From dust, de Michel van der Aa.