La Gualdra 658 / Semana del Arte / Zona Maco
La Ciudad de México se convirtió nuevamente en el punto focal del arte contemporáneo durante la Semana del Arte 2025 (Artweek CDMX), un evento que reúne lo mejor de la creatividad latinoamericana y global. Sin lugar a dudas, este evento es trascendental para el mercado, pues en él interactúan miles de asistentes con coleccionistas, curadores, galeristas, críticos y artistas de todo el mundo. México, con su rica historia cultural y su vibrante escena contemporánea, se ha consolidado como un puente entre el coleccionismo mundial y de la región y como vitrina para artistas locales. Para entender su importancia, basta recordar cómo ha influido en la obra de artistas internacionales como Jackson Pollock, Edward Weston, Tina Modotti, Francis Alÿs, Joseph Beuys, Paul Strand, Jan Hendrix y Melanie Smith, quienes encontraron inspiración en este país surrealista y lleno de personalidad. Este “guacamole” de tradición y vanguardia resulta en una gran muestra que el mundo entero quiere probar.
Al recorrer las ferias —Zona Maco, Acme, Clavo, Laguna—, dos tendencias principales captaron mi atención. La primera es un retorno a los materiales analógicos, especialmente los textiles; ya sean naturales o sintéticos, estos elementos hablan de una reconexión con lo táctil y lo artesanal, una respuesta quizás a la frialdad de lo digital. La segunda es una nostalgia por la naturaleza, un tema que resuena en un mundo cada vez más urbano y desconectado de lo orgánico. En esta serie de ideas, los metales tienen un acento, pues sus reflejos se han resignificado para apostar por connotaciones entre lo industrial y lo terrenal. Si bien no son componentes nuevos, su capacidad semántica brinda un ingrediente clave para la expresión contemporánea en las propuestas latinoamericanas y de otras latitudes.
Centrémonos ahora en Zona Maco, el corazón de la Semana del Arte, donde convergen tejidos, tecnología, escultura sintética y la diversidad de lenguajes. Lo tradicional de la pintura pierde un poco de terreno frente a otras propuestas mixtas. Como es costumbre, las principales galerías desplegaron su oferta minimalista y contemporánea, de estética fría y desaturada que, en ocasiones, pasa desapercibida ante el asombroso folclor de nuestra cultura. Quizás lo más sobresaliente en su carácter global sea la inmersión de la tecnología. ¿Será esta una estrategia para atraer coleccionistas globales o es una pérdida de autenticidad? Para clarificar la amplia visión del evento, dividimos el encuentro en dos rubros: las galerías con presencia internacional; y la escena iberoamericana con acento en lo mexicano, es decir, la apuesta por lo producido en la tierra azteca.
En el primer rubro, destacan las galerías que buscan conquistar a la élite mexicana o expandir sus colecciones a Hispanoamérica. En un mundo globalizado, éstas apuestan por gustos eurocéntricos y enfoques hegemónicos, muchas veces vinculadas a redes sociales. Un ejemplo es la fotografía del artista Rob Woodcox (Galería Arma, Madrid), ganador del premio filantrópico de la Fundación Erarta (100 mil dólares), elegido por el público. Ponga especial atención a lo que ha presentado la Galería 193, con el excelente trabajo de Thandiwe Muriu y los bodegones contemporáneos de Rob Tucker. Mención aparte merece “Beetle Sphere”, la icónica escultura de Ichwan Noor en Art of the World Gallery, que reinterpreta el clásico “Vocho” mexicano con ingenio futurista. Sin embargo, un trabajo revelador presentado por la Galería Alejandra Topete (CDMX), fue la obra de Randy Shull —radicado en Mérida—, con una serie que reinventa las hamacas y la pintura, alejándose de lo convencional e iconográfico.
En el segundo rubro, la escena iberoamericana brilla con propuestas arraigadas en lo heredado, Marc Straus Gallery nos brinda con la pintura de Yael Medrez, su apuesta por lo mexicano; y en el panorama global, los maravillosos e hiperrealistas óleos de Antonio Santín. La Galería SECCI sorprende con una fascinante escultura mural del sudafricano Chris Soal, que evoca un paraíso no perdido, y K Contemporary desafía el eurocentrismo con Marielle Plaisir (Francia-Caribe).
Sin embargo, el verdadero dinamismo surge de las galerías que apuestan por artistas hispanohablantes, donde el color y la fuerza regional se imponen. La Galería La Bibi deslumbró con un stand forrado de peluche y pinturas de Fátima de Juan y Grip Face. Albuquerque Contemporánea presentó ¡CORRE!, un proyecto de Froiid que combina uniformes de Jorge Campos y el colorido de la lotería mexicana, reinventando la estética popular del fútbol. La Galería Senda, en tonos rosas y acorazonados de Gino Rubert, exhibió obras de Miguel Ángel Ríos y Teresa Serrano, mientras que el argentino Marcos Acosta (Hexton Gallery) intervino paisajes con haces de neón sobre acrílico. Eduard Moreno expone una serie exquisita pintada sobre cobre en la Galería La Balsa, y Gustavo Peña presenta pintura contemporánea en Lyle O. Reitzel Gallery.
El arte conceptual latinoamericano también tuvo su espacio como esencia del festival. Luis Maluf Gallery apostó por Aline Moreno y sus exploraciones del campo, mientras Daniela Busarello (Casa Hoffmann) creó superficies densas y poéticas con pigmentos naturales y cera, dialogando con el medio ambiente. Leonel Vásquez deslumbró con esculturas sonoras en piedra y cobre, y Sandra Rengifo capturó paisajes desolados en fotografías existencialistas. Obras muy conmovedoras fueron las de Nazaret Pacheco y Marilá Dardot (Galería Lume), así como las de Andrés Bedoya, Juan Sorrentino y Candelaria Traverso (Henrique Faria / Herlitzka & Co.).
Pero no podemos dejar de hablar de los artistas mexicanos traídos por Proyectos Monclova. Ahí se presentó el siempre sublime trabajo de Chantal Peñalosa, un mosaico soberbio de Hilda Palafox, el alfabeto de Jorge Diego Etienne -un gran divulgador del diseño industrial- y las esculturas pétreas y multimatéricas de Iván Krassoievitch. Imperdible conocer la obra de José Villalobos, en Liliana Bloch Gallery, pues cuestionó la masculinidad desde lo ranchero y el orgullo nacional, mientras Héctor Zamora (Labor Gallery) fusionó metales y ladrillos en instalaciones críticas acompañado de los cuasi iconos bizantinos de Etienne Chambaud. Alinka Echeverría (Suma Gallery) exploró la fe guadalupana, y Maximiliano León (Barvinskyi Art Gallery) caricaturizó la realidad conservadora, nostálgica de un imperio decimonónico mexicano en pintura.
En las galerías locales, La Palma (Guadalajara) abordó la violencia social a través de referencias animales y monumentos rotos con Andrea Ferrer, Cosa Rapozo y Raúl Rebolledo quienes exploran metáforas recordándonos que el arte mexicano no elude las realidades incómodas, mientras en la sección más esperada, Consigna rindió homenaje a Leonora Carrington con objetos y joyería íntima.
La tecnología no se limita a lo digital: el robot de Rodrigo Garrido (Future Self) y las esculturas poliméricas de AtelierJAK, que atrapan mundos en miniatura. La luz hace eco y reflejo en la Lee & Bae Gallery presenta a Seontae Hwang con unos cuadros donde la luz entra por las ventanas y desafía la percepción. Pero fue el vidrio de Sangmin Lee (Lee & Bae Gallery) el que hipnotizó con su fragilidad luminosa de su serie “Los invisibles”.
La Semana del Arte 2025 no fue únicamente una exhibición de talento, sino un recordatorio de que México sigue siendo ese laboratorio donde lo ancestral y lo vanguardista se funden sin contradicciones. Entre textiles que narran conexiones y robots que cuestionan el futuro, la CDMX reafirmó su lugar como capital de un surrealismo vivo, donde el arte no es un lujo, sino un lenguaje universal. Mientras el mundo mira hacia aquí, no sólo descubre piezas, sino un diálogo audaz entre raíces y rupturas.
