La Gualdra 672 / Exposiciones / Fotografía
Desde mi humanidad, el cielo y el agua se presentan como superficies inalcanzables: una por su lejanía, la otra por su constante transformación. Sin embargo, esta distancia no es una barrera, sino un espacio fértil para una diáspora de reflejos y ecos. En su diálogo atemporal emergen imágenes que desdibujan la realidad y se manifiestan más como visiones de recuerdos que como testigos de lo tangible.
Me adentro en ese territorio con una conciencia de nostalgia futura, anticipando lo que anhelo recordar. Cada imagen parece surgir de un sueño recurrente o de una historia escuchada innumerables veces. Así, los sujetos se disuelven en arquetipos: los peces se funden en un solo pez, las nubes convergen en una única nube y todos los pájaros comparten las mismas alas.. Estas entidades fluidas me habitan y me saludan desde la memoria de mi infancia, siempre asombrada.
En el corazón de esta exploración yace el concepto japonés de “無常/Mujo”, que alude a la impermanencia y transformación de todos los fenómenos. De él se desprende el “物の哀れ/Mono no Aware”, la sensibilidad que permite no sólo aceptar, sino apreciar la brevedad de las cosas. En esta visión, lo efímero no es pérdida, sino condición para la belleza. Así, la cámara deja de ser mero registro para convertirse en un navío que transmuta luz y agua en fragmentos de un pasado idealizado. Cada fotografía es reflejo de lo que fue y de lo que pudo haber sido: una memoria expandida, un mito personal.
Este proyecto, que comenzó a tomar forma en 2022 pero cuyas raíces se remontan a los inicios de mi práctica fotográfica, explora no sólo la naturaleza espacio-temporal de los sujetos, sino también el tiempo mismo. En cada imagen habita la imaginación que la engendró, el rizoma de la memoria, la expectativa del futuro y la resonancia de relatos colectivos. Son instantes de transición, ecos del pasado y anticipos de lo por venir.
Sin embargo, lo que persiste es la fugacidad de las propias imágenes. Como un mantra disonante, cada fotografía es una variación de una misma visión, una iteración de luz y tiempo que se pliega sobre sí misma, como el sonido de una campana que hace eco de la impermanencia de las cosas.
La manera de presentar estas imágenes no responde sólo a una decisión estética, sino que extiende la reflexión que las sustenta. En coherencia con la naturaleza cambiante del proyecto, el soporte elegido se comunica con su dimensión temporal. Así, las obras están montadas en kakejiku, una forma tradicional japonesa de colgar arte en pergaminos, cuya elección no sólo obedece a su aspecto visual, sino también conceptual: los kakejiku registran naturalmente el paso del tiempo en sus pliegues y decoloraciones, estableciendo un diálogo directo con la impermanencia, que es el latido primordial de este proyecto.
En esta ocasión, los kakejiku han sido diseñados en colaboración con Yukiko Tasaka, quien, con su vasta experiencia como directora de teatro, aportó la sensibilidad para lograr una armonía entre la obra fotográfica y el soporte tradicional japonés. Su enfoque, marcado por la comprensión de la puesta en escena y la interacción entre el espacio y la obra, permitió que cada kakejiku se convirtiera en un vehículo perfecto para transmitir la atmósfera de las fotografías.
Finalmente, los kakejiku fueron elaborados por Taishin Sagawa, maestro artesano de tercera generación, reconocido por revitalizar el arte del kakejiku desde una perspectiva contemporánea. El maestro Sagawa ha perfeccionado las técnicas tradicionales y adaptado este arte ancestral a los tiempos modernos sin perder su esencia. Su maestría combina la sensibilidad clásica japonesa con una visión renovada, haciendo que cada kakejiku sea tanto un contenedor como una extensión del universo de la obra que sostiene.
Sobre el autor:
Juan Carlos Pinto
Fotógrafo zacatecano radicado en Zushi, Kanagawa, Japón. Licenciado en Letras por la Universidad Autónoma de Zacatecas y pasante de la Maestría en Literatura por la Universidad Nacional Autónoma de México. Autor del libro de cuentos “El largo espejismo”. Fue subdirector de la Compañía Estatal de Narración Oral de Zacatecas.
En 2011 se mudó a Tokio y en el 2015 inició su actividad fotográfica. Está certificado en Fotografía de Arte e Imagen Digital por la Universidad de Temple Campus Japan. En el 2019, por recomendación de la Sección Cultural de la Embajada de México en Japón representó a México en el World Art Tokyo 2019 con su serie “Los Rastros Solitarios de la Luz”. Hasta la fecha ha participado en más de veinte exposiciones colectivas e individuales en Japón, México y otros países. Ha publicado tres libros de fotografías: “Los Rastros Solitarios de la Luz” (TEXERE, México, 2019), “THE BUNKERS” y “REES’ BUNKER” (ambos de ENYSi, Japón, 2021). El libro recopilatorio “Jiko・Kyōkai” (KAMI, España) será publicado en el 2025.
Ha sido galardonado, entre otros, con el Premio a la Excelencia y el Premio del Jurado en el “Epson meet up! selection” (2017 y 2018 respectivamente, Japón), el Segundo Lugar Internacional en la categoría de paisaje de los “Head On Awards 2021” (Australia), la Medalla de Bronce en la categoría de Arquitectura/Paisaje Urbano de los “Tokyo International Foto Awards 2021” (Japón). También fue seleccionado como finalista de los LensCulture Street Photography Awards 2022 (Países Bajos), obtuvo Medalla de Bronce en el PX3 Prix de la Photographie Paris 2023 (Francia) y fue doble semifinalista de las categorías de Street Photography y Spaces en los Urban Photography Awards 2023 (Italia), así como el segundo lugar en la categoría de Naturaleza de los Monochrome Photography Awards 2025.
En su transición del mundo de la palabra al de la fotografía, Pinto sigue aplicando en su obra un principio de selección y restricción: lo que se dice es tan importante como lo que no se dice; lo que no está presente en la fotografía es tan importante como lo que sí lo está. Así, en su obra fotográfica, busca simplificar la selección del espacio y poner en juego un único sujeto. Más que la interacción entre los sujetos, trata de reflexionar sobre la interacción inadvertida de los sujetos con su entorno y el paso efímero de la luz. Su intención es que el espectador encuentre en su obra un reflejo del potencial estético de su propia vida cotidiana y del mundo que le rodea.
Entre sus influencias se encuentran las imágenes y narrativas de la Época de Oro del Cine Mexicano, la literatura del Boom Latinoamericano y el trabajo de fotógrafos como Fan Ho y Sam Abell.
Permanencia de la exposición:
La exposición Ecos de la impermanencia, de Juan Carlos Pinto, se inauguró el 5 de junio de 2025 en el Restaurante Santos Maestros, del Hotel del Arte Santa Rita, y permanecerá en exhibición hasta el 16 de junio.
